‘放松’这个字眼对学钢琴的人可算是老生常谈了。从初学开始就不停被老师要求‘放松’，到成名的钢琴家在音乐会前自我要求的‘放松’；从对肢体要求的‘放松’，到对精神状态要求的‘放松’，‘放松’二字几乎无处不在。但是，为什么要放松？哪儿要放松？什么是放松？怎样才算放松？
我们跟随著名钢琴家、钢琴教育家、指挥家、雅马哈艺术家石叔诚开始钢琴演奏技术中的重要一课——放松。
什么是放松
放松是一个相对的概念，或者是一种心里的主观追求。严格地讲，客观上绝对的放松是不存在的（只要生命还存在）。任何放松都是相对的，是相对于“紧张”或“用力”而言的。
在演奏钢琴的行为中，也不可能有“绝对的放松”，一切都是“适度的放松”。
怎么放松
对于放松，我们必须关注的两件事：
第一，相对什么放松；
第二，放松的必要程度。
1、相对部位
在弹奏动作中，身体一定存在着“参与”和“非参与”两个部分。对于“非参与”部位要注意放松。“非参与”部位的紧张与僵硬必定会影响和阻碍“参与部位”动作的发挥。
在练琴当中，当你遇到一个技术难关时，不要一味地盯住“参与部位”不放，还要顾及和检查自己的“非参与部位”，是不是也在那儿跟着紧张？
当“参与部位”遇到困难时，“非参与部位”会应声而动，群起支援。而这种支援大多于事无补，还每每干扰“参与部位”的工作，分散和浪费了能量，纯属“帮倒忙”。我们练琴的一项重要任务，就是要解除那些“帮倒忙者”的武装，使其保持一个本分的“待机”状态。
可以找到“非参与部位”，并且有目的地解除其有害的紧张状态，是提高技术行之有效的学习方法。某个部位的多余紧张或僵硬不仅直接阻碍“参与部位”的能力提高，而且还可能导致职业病的发生。
在练习技术课题时，我们都会放慢速度，将注意力全部集中在每一个触键的手指上，力求加强其独立性、支撑力、敏捷度、爆发力等等，这种练习无疑都是有益处和必要的。但是有必要建议大家将注意力分出一半，放到非触键的手指上，也许会使触键的手指获得更充足的能量和锻炼机会。必须提醒一下：慢练是重要的，但如何练则更为重要！
2、相对时机
针对演奏中的“参与部位”而言，“放松时机”的问题同样重要。
演奏中的每一下触键（无论单音、八度、和弦）必定有一个动作的过程：即触键前准备、触键发力并发音、触键后的离键（这过程与体育运动的击球有些相似）或延留。
触键发音需要“参与部位”的用力（紧张）自不待言，那在之前与之后呢？
要掌握最科学的演奏方法，就要将“触键前”与“触键后”肌肉的多余紧张尽可能降到最低，即在不影响所求声音的基础上做到尽量放松。我们在练习时会将注意力集中在每个音的动作上，也会注意到触键前、触键中、触键后的三个过程，却常常会忽略这个音的“触键后”与下一个音的“触键前”之间的状态。这个“之间”有时长、有时短（甚至如同眨眼般的一瞬间），却与前后的两个音息息相关（这个道理在学习游泳时应该最有体会）。
有很多人在演奏强力和弦时力不从心，特别是手较小的女同学。在可能的各种原因中，掌握不住放松时机也许是最常见的。由于努力使手掌张开的原因，使得在准备触键时提前紧张，又在触键最需要用力时提前解除了紧张，造成能量发挥不出来，或用力不在点上（像汽车发动机点火时间偏差引起的动力不足）。
有很多的技术难关，会在找到正确的放松时机后迎刃而解。掌握不住放松时机，同时也就掌握不住紧张时机。
3、相对程度
既然“绝对放松”是不存在的，于是必然在“相对放松”上就有一个放松程度的问题（应该说放松程度与紧张程度是同一事物的两面）。这个程度的把握，完全依靠我们在实践中根据对声音的要求和技巧的应用在练习实践中获得。
放松离不开内心对音乐的感觉和耳朵对声音的追求。虽然对于放松总结为“相对部位”“相对时机”和“相对程度”三个方面论述，而实际在任何音乐作品（包括练习曲在内）的演奏中它们一定是被综合运用的。我们应该在遇到技术难点时认真检查自己是在哪方面出了问题。
“
追求技术是一件永无止境的事，每个人都会有局限性，每个人都可能有技不如人的困惑（尤其在成年以后，手上的功夫可能更难提高）。因此万万不可将目光死盯着技术不妨，以致忽略了更重要的事情——声音与音乐。
君不见，多少名闻遐迩的大钢琴家，并不具备过人的技术呀！技术再重要，充其量也不过是手段和工具，终究不是我们追求的目的。