随着社会的不断发展进步，人们对素质的要求逐步提高。钢琴作为一种西洋乐器，在中国迅速发展普及起来，越来越多的人加入到学习钢琴的行列里来。在教学的过程中，老师可以通过一定的方法，培养学生的创新思维和能力，训练他们对音乐的理解和审美能力，让学生充分想象，用音乐表达情感，这些都会有益于钢琴乐感的培养。
乐感是人的一种心理活动和过程，它是客观的音乐音响通过听觉感受后而产生的心理反应。通常所说的乐感不是对单一乐音要素的感知觉(如音高、音长、音量、音色)，也不是对某一音乐表现手段(如旋律、节奏、速度、力度、调式、调性、和声等)的听觉鉴别和判断，而是对音乐整体感受能力和效果总和的概念性表述。当然，音乐是多种音响要素的有机组合，任何一项指标的缺失，都会影响到乐感的完美构成，例如，当我们听到器乐演奏中节奏不稳，或歌唱中出现了跑音等现象，我们会觉得不舒服；当我们听到旋律优美，节奏通顺，乐句乐段的完整的音乐时内心会觉得无比舒畅，其实这就是音乐语言的自然流畅以及在此基础上构建起来的音乐情感引起了我们内心的共鸣，这就是乐感所包容的范畴。所以，从根本意义上说，乐感就是美感，而人类的音乐审美活动就是围绕乐感所展开的创作、表演和欣赏等活动。
乐感的感知和表现是进入审美层次的心理活动，它不是由单纯技术决定的，而是良好音乐技能的美学升华。在现实生活中，有些人对优美的音乐无动于衷，领略不到音乐的美，于是出现了对牛弹琴之类的贬义成语，而缺乏对音乐的审美感知力则是重要原因之一。此外，我们也常听到有些歌唱和演奏，完全按照乐谱表演，在音高、节奏等方面无可挑剔，但是听后却感到没有音乐的味道，好似背书，即使是经典作品也被表现得平平淡淡，缺乏感人的魅力，这显然都是乐感短缺所产生的弊端。
当然，乐感不是孤立的愉悦感，聆听音乐时获得的乐感可以深化情感体验，它能够把音乐的表现形式和情感内涵有机地融合在一起，不仅给人以美的享受，而且还可以帮助我们对音乐的理解。音乐学习中那些没有乐感的学生，并不是体会不到美，而是表达不出来，有人说过这样一句话：最大的痛苦，不是没有灵感，而是有灵感却表达不出来的人。因此，提高学生的乐感，让学生在音乐学习中化被动接受为主动感受，让学生认识到音乐的美，激发出他们对音乐的兴趣。
一、中学生的乐感培养要从音乐审美入手
笔者在这里，先谈谈从感性入手的乐感培养。
(1)多听
学钢琴首先要给学生创造一个音乐的环境。钢琴是一种外来乐器，大多数传统的优秀教材、乐曲来自欧洲，因此它的音乐语言也是外来的。这就跟学外语一样，要有语感，光靠音标、字母拼出来的外语，总让人觉得生硬，必须多听，多感受，潜移默化中增加对乐感的感觉。
现在电台里经常有好的音乐节目，家长可以多留意、到时候录下来，并不限于钢琴，可广泛一些，其它乐器的、交响曲的、声乐的，都可以，经常积累一些资料。学生眼下功课都很多，不一定有专门的时间来欣赏音乐，家长不妨在进餐时、起床后、就寝前放上音乐，学生有意无意地便接受了音乐的熏陶。逐步对音乐语言、形象、气氛、音色等，有了感性的认识。这种潜移默化的影响，不一定立竿见影，但是逐步地能从量变到质变，大凡音乐感好的学生，都得益过这种熏陶。
上述的做法，我想对任何家庭都不难，因为收音、录音的条件是每个家庭都具备的。如果有条件的话，可以去买一些CD、VCD和录音带，选择一些重要的经典曲目。在学生学到一定程度时，音乐欣赏可更有目的地进行，让其比较专题化。如学生弹奏莫扎特的奏鸣曲或变奏曲，平时就可以集中听莫扎特的各种类型作品，让其对莫扎特的风格、特点有专门的感受。亦可把音乐分为大的时期来欣赏，如巴洛克时期、古典时期、浪漫时期等等。譬如海顿、莫扎特、贝多芬都属于古典时期，就可以有意识地放在一起听听，感受他们的共同点和不同点。
(2)多看
对初学的学生来讲，除了广泛的听和感觉外，更应着重对自己所学教材的熟悉和模仿。这方面，老师是起主导作用的，老师应该让学生明确音乐形象、情绪，并明确通过哪些弹奏方法来达到动听鲜明的弹奏。学生通过熟悉、模仿，逐步到有自己的独立音乐见解，具有主动的音乐感、表现欲，这就需要不断的听和熏陶。有条件的学生要争取多听各种音乐会，因为钢琴是表演艺术，必须多看，多听现场的演奏。要是没有听现场音乐会的条件，也可注意收看电视中的音乐会转播。现在，这种机会还是经常有的。
(3)多表演
再进一步，就是多给学生提供给别人表演的机会。练了那么长时间，给人表演能否把自己的音乐感发挥、表现出来，就是一个重要的问题，这是人人迟早都要面对的。在学生中也有不同的性格、不同的情况，有的人性格放得开，不在乎，甚至有人越看越得意，越来劲。这样的学生一般都喜欢上台表演，但要注意的是，不要因过分兴奋、激动而失控，弹得过快，在演奏时既要保持投入、兴奋的优点，但又要从容不迫，头脑清楚。对于一些性格较内向、胆子比较小而又容易紧张的学生，一定要让他们在演奏前多弹给人听，家里有客来，就让学生为客人表演，也可以带学生去别人家给人表演，也可组织几个学生一起开小演奏会，互相观摩比较，这有很大的促进作用。钢琴演奏作为表演艺术，难就难在表演时就这一遍。有时我们很羡慕搞美术的，画一幅画，可以在家里一点点地去琢磨，去修改。一旦画好了，这幅画就永远不会再变化，除非作者想对其再加工。而我们的演奏，每次都要重新开始，在家弹好了，不一定上台演奏就能一样好。因为无论是表演，还是考级、考试所承认的永远是那个第一遍，为了弹好这一遍，我们要做很多努力，除了练习充分外，很主要地不放过任何一次锻炼的机会。除了给别人弹，也可借助录音、摄像，录下来自己听，看看优、缺点，因为在有录音或摄像的情况下，比较接近演奏的感觉，与一个人无拘无束地弹心理上大不一样。经过这一些锻炼，学生在演奏时，就能有充分的思想准备，以保证临场时把自己的音乐感觉比较自如地不打折扣的表现出来。
二、加强乐感、手感、气感的融会贯通
钢琴演奏中，乐感、手感、气感这三方面相辅相成，应融为一体。
对于作品来说是指演奏者，对演奏的曲目，是否能激起满腔的感情从而创造性地再现乐曲，并通过演奏者的演奏传达给听者，使听者通过声音的媒介去领会作曲者所要表达的一种情绪，而最终达到共鸣。因此，乐感即是对音乐乐曲本身的包含的思想感情的一种准确深刻的表现。如果不具备良好的乐感，单凭高超的演奏技术，是很难真正感动人的。那么乐感究竟如何产生呢?这里有两种途径，一种是天赋，比如象王晓东，肖邦等;二是后天锻炼，而大多数人是经过后天的勤奋努力逐步培养而成的。阅读世界名著，哲学，心理学等，可以提升人的个人修养，增强人的审美能力。由于综合素质的提高，必然会在乐曲的演奏中充分体现出音乐的感情特征。因此，后天的训练与培养尤为重要。所以开发音乐的智慧与后天的艰苦训练相结合，方能培养出具有良好乐感的钢琴演奏人才。具体在钢琴教学中，要强调严格按照乐谱上的表情记号进行演奏，在练习时不但要用心去听，去想。去体会，仔细的演奏好每一小节甚至每一个音符。严格的按照谱面上的指法和演奏技法去演奏，而且要边演奏心里一边默唱。要有表情的去唱，要从心里感到自己是最美的、最漂亮的。从一开始刻意的去做力度的变化，逐渐过渡到自觉的、自然的去表现音乐中的强弱的变化，进而发展到将自己和音乐融在一起，做到人琴合一。
所谓手感，应是演奏者在演奏中所表现出的对触键、轻重强弱、大小幅度以及灵活程度等的控制能力。只有有了好的手感才能演奏出好听的音色，从而达到生动准确的表现音乐作品的思想内容，演绎出作曲家所赋予作品的情感。那么如何对待手感问题呢?首先，要加强基本功的训练，让手指灵活起来，功夫长上去才行。俗话说：熟能生巧，这个巧便是能力，有了这个能力，便能心到手到，心到意到、得心应手。只有加强了手指训练，手指的触觉才会敏感起来，并具有了较强的控制能力。其二，要加强听觉的训练。我这里所说的听觉是指对音色的辨别能力，演奏中学生用不同的手指部位，不同的力度，不同的演奏方法来弹琴，要求用心去辨别由此产生的不同的音色，在心里建立起好的音色概念，找到好的触键的手感，并将其运用到实际演奏中去。最重要的是在平时的练习过程，要有心去体会，认真的对待每一小节，每一个节拍，甚至每一个音符。不论是练习曲还是乐曲都要弹得鲜活动人。
所谓气感，就是音乐中的呼吸。是关于呼吸怎样与乐曲相吻合的问题。
我们知道：呼吸是生命的基础，音乐是人类语言的高级状态，它同语言一样有着句子的长短之分，有抑扬顿挫的语气的变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。没有呼吸，就没有乐句，没有起伏，没有语调，没有了结构。也就没有了生命。在音乐表现中有乐句，乐句与乐句之间也有停顿与相连的问题，这里的停顿与连接就是我们所说的气感。其中也包括轻重强弱中的气感。如何使气感与音乐演奏密切吻合呢?一是首先要盯准谱子，分析乐曲，以及乐曲中的乐句，哪里该连奏，哪里该断奏，哪里该停顿，哪里该变换速度等等。另一个要注意的问题是气口时间问题，音乐本来就是一门时间的艺术，当然气口的呼吸时间也显得比较重要，这个时间的把握我觉得应该与音乐本身的律动节奏相联系，演奏者要善于体会这种包含着内涵的音乐感觉，有了这种内涵的感觉体会才可能掌握这气感的时间。在演奏一句有几十小节长的大起大落的旋律是就必须以缓慢而绵长的气息为根本，同样，在需演奏情绪高涨、激昂或者速度较快的一段乐曲时，其呼吸、气感也相应地加快，到高潮音之前的一呼吸，也可能呼吸的深一点。但不管怎样，这些气感必须是与乐曲是一致的;是与乐段、乐句的分解相一致的。
那么对于气感的掌握,即将自身的呼吸和音乐的呼吸融为一体，将键盘转为自己手指的延伸，进而努力做到人琴合一，人音合一。即做到人、琴、音乐融为一体,只有这样才能达到真正表现音乐内涵的目的。
综上所述，钢琴学习其实并不难，难的是要有一颗正确面对，勇于挑战的心。没有先天的乐感也没关系，只要掌握正确的培训方法，有恒心、有毅力，我相信每一位有志于钢琴演奏的同学都会拥有灿烂的明天!