最重要的是：一定要学好乐理
之前中国音乐学院就已经发文，明确规定：钢琴考级必须有对应的乐理证书。针对这一改革，我们了解中央音乐学院的考级，早在几年前就已经开始要求学生必须通过音基考级才可考取三级以上证书。
对于学乐器的孩子来说，音乐理论知识具有特殊重要的意义。只要弹琴，就会弹出和声。有了和声学知识，那些同时鸣响的声音就不再是零散的、陌生的、无序的，在懂得和声知识的大脑中，这些音符排列得很清晰、整齐、有序，懂得了和声语言的规律，就能把和声弹奏得更有逻辑性，更有说服力，便于记忆，有利于提高音乐表达能力。
乐理在学习过程中，效果不会立刻显示出来，但是它对于以后相关的音乐方面的学习有着重要的作用。这说明乐理知识是踏入音乐旅程的通行证，有了它，你将更快地与音乐成为好朋友，学习的路上充满惊喜与欢乐。
所以，不管学什么乐器，学习乐理是必须的。基础知识牢固了学起音乐来也会更得心应手，在音乐的道路上能够助你走向成功。请孩子的家长一定要注重视唱、练耳、乐理等基础教学，只有地基打稳了，才能登上音乐高峰。
当然前提是请正确选级
很多考级教材里有不少好曲子好东西，正确对待考级，本来是好事情。可惜现在考级，居然出现一年六级，两年九级的案例。
凌远教授曾经说过：我对一部分孩子一年跨三级这种急功近利的做法很担忧。我是考级的创办者之一，也参与考级教材的编写。当时我的初衷是希望引导业余学钢琴的孩子沿着科学的指引一级级走，循序渐进。考级的曲目就是告诉他们，要沿着这个程度、曲目范围，稳定地学到十级，就算学会了钢琴。设这么多级，就是想告诉他们，不要着急，并不是说只弹这几首曲子就算学会了。可是考级这20年过来，变得不是原来的样子了。有人认为自己很有才能，可以跳级，这就误解了我们的原意。现在大家把考级当成敲门砖，有了十级的证书，可以去考学校，去混饭吃。而且掌握了培养这种学生诀窍的老师更是以此为招牌：就教这几首作品，就有了钢琴教学的饭碗。其实这些孩子很可怜的，他们要超过自己的程度去拔那几个作品，很痛苦，这样学琴就是一点趣味都没有。学琴是让孩子们享受人生的境界，可结果呢，反倒让孩子们觉得钢琴太讨厌了。
现在的社会大环境就是这样，好像我们也无力去扭转。如果这里不能让我一年考三级，我就找别的地方学，结果他通过了考试，你傻眼了。其实大家都清楚他没有达到这个程度，可他也勉强通过了。老师本身没有这种认识，学琴教琴为了生计，二分之一桶水的人教出四分之一桶水的人，四分之一桶水的人再教出什么样的学生呢?水平会越来越低。这是我们担忧的问题。
所以，考级是动力，是检验方式，但不是目的。揠苗助长，孩子勉强过级，反而可能因为基础不扎实，以后钢琴等于白学。不如稳扎稳打，就算慢一点点，至少学到了，未来都不会忘了，钢琴能陪伴终生。根据学生的接受能力、识谱能力、键盘能力、整体演奏水平各个方面来选择合适的级别和曲目吧。这样也能提高学生的自信心和学习的乐趣，当然也会期盼着下次的考级，实现学生的自身价值和“满足感”。宁肯好，不要跳！
最基本条件：完整无误弹下全曲
音乐是时间艺术，完整表现作品是音乐作品存在的要素，狭义的来表述，能够不间断地演奏作品。不间断地完整表现作品是音乐表现的先决条件。
也就是说作品演奏过程中的间断，是乐器演奏最大的忌讳。但是恰恰相反，这个问题却正是很多的琴童不容易避免的困惑。原因是多方面的，有手指技术达不到的因素，也有不能够牢固掌握音乐常识的原因，比如节拍、节奏、指法设计等各个方面。
识谱！识谱！识谱！
从开始的识谱做起，首先要认真把视觉范围的内容做精、做细，即眼睛能够:看得见的比如音的高低、长短、连断、指法等基础要素。然后需要把乐句之间的衔接动作根据乐句之间的时值进行合理设计，用同样的方式更好地解决乐段的连贯。
背谱考级尤其要背得滚瓜烂熟！
在每一年度全国音协的考级程序册上都会有这样的说明：“评委有权中间叫停或者选择作品的某一片段演奏。”实际上，考级过程中可能由于时间上的关系，更多的评委只做了前一项，如果真正的要求从作品的某一片段开始演奏的话，暴露出练习过程中看谱、背谱关系处理上的问题会更多。如果没有做到谱子看看、背背、背背、看看，可能我们的演奏会像是织布机一样，从头到尾做的只是机械运动，而一旦中间停下来，生产出的产品就很可能是劣质品。
有建议是看谱一背谱一背谱一看谱一看谱一背谱。其中再次看谱是为了避免已经背下来的谱子会出现新的错误，必须经常把谱子重新仔细阅读，看谱练习演奏。这样背下来的谱子更具理性，避免万一在演奏过程中出现忘记谱子时，发生大脑一片空白，衔接不下来的现象。而且这样的谱子也可以使演奏技术有的放矢。
在教学中我们会更多的发现，已经背得流畅的谱子如果让演奏者读谱弹奏的时候，很大比例的学生找不到已经演奏的谱子片段，即使找到了位置也会感觉像新谱子一样的陌生，音符、节拍、指法等多方面都需要重新反应，完全不像自己背奏的那么熟练。这样的背谱就已经给我们考试过程中的间断留下了隐患。
分手练习
单手、双手的练习手法上做到:单手一双手一单手一单手一双手一双手一单手一并非只有识谱阶段才使用单手练习，也不是一首作品能够双手配合起来，就只进行双手的练习了，现在常见的练琴习惯是学生双手配合起来的作品，极不愿意或者很少再进行单手的练习。
如果想从演奏的质量上进一步的提高，每一次的从单手到双手的过程都要力求使作品的完成质量提升一个新的台阶。应该说，钢琴作品都是多声部音乐，不是用单手只达到识谱的目的，应该从音色、音乐表现都要让单手达到演奏的程度、演奏的标准。教学实践中证明，很多的考级学生作品准备的已经相当熟练了，但是如果辅导教师要求单手弹奏的时候，很多的学生就不知如何“下手”了，只有两只手一起才能够演奏下去。考级作品往往准备的时间较长，如果长时间只进行双手的练习，带来的只能是上下关系的纵向机械配合，达不到音乐表现的目的。
单手的技术动作不断提高其合理性、单手音乐的表现不断趋于顺畅，并形成动作习惯和听觉习惯，在双手的配合练习中感受声部表现的不足，回到单手提高并巩固，一步一步的提高双手配合的逻辑性和表演能力，各声部清楚的同时又是默契的合作关系，最终达到双手的演奏是有机的整体，这样可以大大避免演奏过程中间断现象发生的几率。当然更重要的是，可以表现生动的音乐形象。
慢速练习
在速度的练习过程中应注意的方法，由慢开始。关于慢练、练琴速度循序渐进，这个磨练琴房公众号里发表过大量文章，就不赘述了。记住，弹奏速度并非随着作品的熟练程度自然解决的问题。抛开音乐表现只从技术看，快速技术基本涵盖以下几个关键词:准确、均匀、清晰、轻松，建立在这样几个关键词上的快速才是真正意义的速度要求。
准确、均匀、清晰、轻松的快速要求的关键词中，又分别涵盖了诸多个方面的要求，比如“准确”，要求识谱准确、抓键准确、节拍准确、指法准确等方面;“均匀”也包括了时值的均匀、音色的均匀等。“清晰”、“轻松”本身就是矛盾的两个方面，要想做到清晰，必须有一定的力量要求，而力量对轻松又提出了考验，如何通过合理的动作协调化解矛盾，都需要慢速解决，快速检验。而同时达到这样几个方面的要求是很难做到的，这就需要在我们的一遍遍慢速练习中一项一项地逐一解决，在一遍遍快速练习中检验不足之处，再用慢练达到快速的要求。
任何两种不同的速度之间，都可以分解出若干个不同的速度，逐一尝试，每个人都会找到适合自己的速度，然后通过循序渐进，又会提高适合自己的速度水平。往往慢速练习和快速弹奏成反比关系，即练习的速度越慢将来可能弹奏的速度可以越快。可以这样理解，速度技术的提高不是渐进的，由慢到快的过程而应是“振幅”式的进展。
难点练习
对于难点的解决方法做到:练练一合合一合合一练练一练练一合合一一首作品无论它的篇幅多大，一定有它相对的难点。难点不能得到很好的解决，会给演奏者带来很大的心理负担。
俗话说:摔倒不可怕，最愚蠢的是在同一个地方摔倒了两次。钢琴作品中的难点对我们来说可能不仅仅让我们摔倒了两次，甚至会是N次，即使难点没有拌倒，但是带来的心理负担会让演奏过程中即在难点到来的乐谱和暗自庆幸没有出错的后面乐谱中摔跟头，也就是说难点直接影响了整个作品的完整表现。如果一首考级作品中有两个以上的这样的难点，可能会使我们的演奏过程像战战兢兢过独木桥一样。我们对待难点的态度要像小学生练习生字一样，分析其难度出现的位置，比如，是哪一只手的问题?是哪个声部的难度还是双手配合的难度?再具体到是指法方面的还是节奏方面的问题?然后单独摘出来进行准确的强化训练，去慢漫溶化难度，直至可以从容地演奏之后试探着提高难点的演奏速度。
当然，经过溶化后的难点需要不断地融合到难点的前后小节、乐句、乐段的练习中来也是必须的重要过程。融合在一起的难点最初一定会影响到整个乐段的整体速度，应该让其前后小节、前后乐句和乐段的速度服从于难点的速度，然后整体提高上来。经过经常性的强化练习，融化难点的难度使之没有技术负担和心理负担，从容地参与到整个作品的音乐表现中来。
还是紧张？
所有的演奏者在比赛、考试、考级甚至演出过程中，能够真正避免紧张的心理因素，如果想取得理想的演奏效果，选择曲目尤为重要。钢琴演奏毕竟不同于一些杂技表演项目那样追求演技的惊险、刺激，相反，演奏者应该给人美的享受，轻松自如地演释音乐作品内涵。现代的科技手法统计结果告诉我们:“世界上三流的演奏家，如果能够在演奏中发挥他们水平的70%，那么他们的演奏就可以达到一流演奏家的水平”。由此产生的联想是，世界上一流的演奏家们也还没有发挥他们自身演奏水平的70%。